BIOGRAPHY

Born in 1971, Christophe showed an early interest in drawing, oil painting, as well as photography and video editing.

After earning his economics baccalaureate, he left the family home to follow his own path, away from academic routes. Living in Aix-en-Provence for three years, it was there that he began painting before joining, in 1996, an artists' collective in Lyon, which included young painter Joseph Camara and sculptor Robert Thouret. He participated in several group and solo exhibitions. In 1998, he became close to the philosopher, painter, and chess player Mirsad Hadzikaric. He became involved in the “Scarecrow” movement, whose manifesto, "Beauty Without Elegance," denounced, among other things, the hegemony of flattering art. Together, they established certain principles of pictorial expression, such as breathing space and captured agitation. This "SCARECROW" movement would become a true school for him.

In 2005, he set up his studio in Gassin and, far from any influence, developed a singular approach alongside his friend, architect David Granata.

In 2006, Charles Zalber discovered him and exhibited his work at the Grand Palais among his collection of Basquiat, Picasso, and Tapiès pieces. The premature death of the gallery owner in 2012 brought their collaboration to an end.

Christophe traveled through Asia and the Middle East, studied meditative and martial practices, and then returned to France to live in the Pyrenees. It was there that he entered a very productive period, punctuated by stays in Sweden, California, and Morocco to fulfill commissions. During this time, he created his series of Black and Gold paintings. In 2019, he began a tour of Europe in a truck (SOS Spirit Of Sharing). Several exhibitions and encounters resulted from this adventure, including his meeting with André SIMONCINI in Luxembourg.

Between 2022 and 2024, Christophe refocused his work on creating large-format paintings and installations combining video, soundtracks, and various artworks.

Charles Zalber described Christophe Souques' approach as a contemporary ethnic approach to painting.

"Christophe Souques blends and brings together figurative and abstract art in their junction, in paintings that evoke thoughts of indigenous peoples and myths."
— Charles Zalber (Galerie Lucie Weill & Seligmann – Paris, 2007).

"It is truly a protean work, concerned with two factors: genuinely working on anteriority, delving into sources, and at the same time, working on his own unconscious. It is this 'alchemy' between the work on the unconscious and on anteriority that makes it a work of great interest—a creative interest that at the same time stands apart from marketing considerations. It adheres to the imperative of always searching, always questioning oneself, which is the very essence of Art."
— André Simoncini (Galerie Simoncini – Luxembourg, 2019).

"Art raises questions, especially when it cannot be easily categorized or typified. Such is Souques’ art: atypical, beyond any recognized classification.

It is not merely because of the nature of the imagery, but above all because of the invisible process that underpins it.

Like the reaction to the first Impressionist paintings, his work produces a similar reaction: perhaps perplexity. There is no attention to formal images or details, yet both image and detail are meticulously present in the scrupulous and attentive method of his production. Like much of the world, our bodies, and our interactions, most of the process is invisible. For many, it will never be known.

Like the Impressionists before him, Souques does not seek to make a statement. The images themselves make the statement: we all perceive things differently. Looking closer, truly feeling this art—especially in the presence of the painter himself—one might feel transported into a world where the most universal message of the Impressionists can be understood: things are not what they seem. And we do not need to understand why, nor explain what we feel and perceive. There is a potential in such images for us to feel comfortable with our lack of understanding.

Souques' work is vast. It spans the entire cosmos. The styles in which he paints or draws are so diverse that one might be forgiven for thinking they are the work of different artists. It poses no question to the viewer, yet the viewer will question and seek. What does it mean? More importantly: why do I feel this way? That is what impresses: not just the art, not just the artist, but the combination of art, artist, viewer, and context. It goes beyond what we might hope to experience in a gallery. Indeed, his galleries feel more like mountaintops where one can receive the most sublime connection to the unknowable, indescribable force that animates us. And Souques would say nothing else but that it resembles anything if we can see properly—merely a reflection of the cosmic mystery: nothing in particular, and yet anything.

Nearly 200 years after the rise of the Impressionists, perhaps we are beginning to understand this mode of art—the aspect that Souques' work offers if we allow our intellect and desire for certainty to relax: we understand that art can provoke a deeper and indescribable relationship with ourselves and the world.

Like music, some tunes are not for everyone. My experience of more than 20 years collecting his art is that of a presence beyond the artist and beyond the artwork. There can be no higher expression of genius than that. Having his art on the walls of my homes is more than an affiliation or patronage with an artist. It is participating in one of the most playful conspiracies: that despite all our intelligence and progress, we ultimately know without knowing. And in knowing without knowing, we begin to feel at the deepest level. I would thus ultimately say, as some early commentators said of the Impressionists: this is not art at all. It is soul therapy."

— Ram Chatlani (patron) Civil rights lawyer involved in some of the most high-profile cases of the 1980s. He is the grandson of an Indian pearl fisherman. He left the legal field to engage in activities difficult to define. His father was a diplomat in Cairo during World War II, and his mother came from a Turkish-Armenian family living in Cairo, ennobled by King Farouk. He has been surrounded by art and artists since birth. His fiercest weapon is the smile.

BIOGRAPHIE

Né en 1971, Christophe dès son enfance, montre un intérêt pour le dessin et la peinture à l'huile ainsi que la photographie et le montage vidéo.  

Après son Bac d'économie, il quitte le noyau familial pour suivre son propre chemin hors des sentiers académiques. Vivant à Aix en Provence pendant trois années, c'est là qu'il commence à peindre puis intègre en 1996 un collectif d’artistes à Lyon, dont faisaient partie le jeune peintre Joseph Camara et le sculpteur Robert Thouret. Il participe à plusieurs expositions collectives et individuelles. En 1998, il devient proche du peintre philosophe et joueur d’échec Mirsad Hadzikaric. Il s’engage dans le  mouvement « Scarecrow » dont le manifeste ''La beauté sans élégance‘’ dénonce, entre autre, l’hégémonie de l’art flatteur et ils établissent ensemble des impératifs d’expression picturale telle que l’aération et une agitation saisie. Ce mouvement « SCARECROW » sera une école à part entière pour lui.

En 2005, il installe son atelier à Gassin, et loin de toute influence, il développe une démarche singulière avec son ami architecte David Granata.

En 2006, Charles Zalber le découvre et l’expose au Grand Palais parmi sa collection d’oeuvres de Basquiat, Picasso et Tapiès. La mort prématurée du galeriste en 2012 mettra un terme à leur collaboration.

Christophe voyage en Asie et en Orient, étudie des pratiques méditatives et martiales puis retourne en France pour vivre dans les Pyrénées. C’est là qu’il entame une période très productive, entrecoupée de séjours en Suède, Californie, Maroc afin d’honorer des commandes. C’est à ce moment qu’il  réalise ses séries de tableaux en Noir et Or. En 2019, il entame un tour d’Europe en camion (SOS Spirit Of Sharing). Emergeront de cette aventure, plusieurs expositions et rencontres  dont celle d’André SIMONCINI au Luxembourg.

Entre 2022 et 2024, Christophe recentre son travail sur la réalisation de peintures de grands formats et d’installations mêlant vidéo, bande sonore et oeuvres diverses. 

Charles Zalber parlera d'une approche ethnique contemporaine de la peinture de Christophe Souques.

« Christophe Souques mêle et amène le figuratif et l'abstrait dans leur jonction et dans des peintures qui évoquent la pensée aux peuples autochtones et aux mythes. » 
Charles Zalber ( Galerie Lucie weills & seligman - Paris 2007 ).

« C'est un travail vraiment Protéi-forme, qui se préoccupe de deux facteurs : Travailler vraiment l'antériorité, aller oscculter les sources et en même temps, faire un travail sur son propre inconscient, et c'est cette 'chimie' entre le travail sur l'inconscient et l'antériorité qui fait que c'est un travail d'un grand intérêt. Un interêt créatif et en même temps il s'inscrit à part des considérations de marketing, il doit s'inscrire dans cet impératif, à toujours se rechercher , à toujours se remettre en question, qui est le propre de l'Art »

André Simoncini ( Galerie Simoncini-Luxembourg 2019 ).

« L’art soulève des questions, surtout lorsqu’il ne peut être facilement classé ou typifié. C’est l’art de Souques : atypique, au-delà de toute classification reconnue.

Ce n’est pas seulement à cause de la nature de l’imagerie, mais surtout à cause du processus invisible qui la soutient.

Comme la réaction aux premières peintures impressionnistes, son travail produit la même réaction : la perplexité peut-être. Il n’y a aucune attention aux images formelles ou aux détails, mais l’image et le détail sont tous deux méticuleusement présents dans la méthode scrupuleuse et attentive de sa production. Comme une grande partie du monde, de nos corps, de nos interactions, la majorité du processus est invisible. Pour beaucoup, cela n’est jamais connu.

Comme les impressionnistes avant lui, Souques ne cherche pas à faire une déclaration. Les images font la déclaration : nous percevons tous les choses différemment. En y regardant de plus près, quand on ressent vraiment cet art, surtout en présence du peintre lui-même, on peut se sentir comme transformé dans un monde où l’on peut comprendre le message le plus universel des impressionnistes : les choses ne sont pas ce qu’elles semblent être. Et nous n’avons pas besoin de comprendre pourquoi ou d’expliquer ce que nous ressentons et percevons. Il y a un potentiel dans de telles images pour que nous nous sentions à l’aise avec notre incompréhension.

L’œuvre de Souques est vaste. Elle couvre l’ensemble du cosmos. Les styles dans lesquels il peint ou dessine sont si divers qu’on pourrait être pardonné de penser qu’ils sont le produit de différents peintres. Elle ne pose aucune question au spectateur, mais le spectateur demandera et cherchera. Qu’est-ce que cela signifie ? Plus important encore : pourquoi est-ce que je ressens ce sentiment ? C’est ce qui impressionne. Pas seulement l’art, pas seulement l’artiste, mais la combinaison de l’art, de l’artiste, du spectateur et du contexte. Cela va au-delà de ce que nous pourrions espérer expérimenter dans une galerie. En effet, ses galeries ressemblent davantage à des sommets de montagnes où l’on peut recevoir la connexion la plus sublime avec la force inconnaissable et indescriptible qui nous anime. Et Souques ne dirait rien d’autre que cela ressemble à n’importe quoi si nous pouvons voir de la manière appropriée, simplement un reflet du mystère cosmique : rien en particulier et pourtant quoi que ce soit.

Près de 200 ans après l’apparition des impressionnistes, nous commençons peut-être à comprendre ce mode d’art, l’aspect que l’œuvre de Souques offre si nous permettons à notre intellect et à notre désir de certitude de se détendre : nous comprenons que l’art peut provoquer une relation plus profonde et indescriptible avec nous-mêmes et avec le monde.

Comme la musique, certains airs ne sont pas pour tout le monde. Mon expérience de plus de 20 ans de collection de son art est celle d’une présence au-delà de l’artiste et au-delà de l’œuvre d’art. Il ne peut y avoir d’expression de génie plus élevée que cela. Avoir son art sur les murs de mes maisons, c’est plus qu’une affiliation ou un mécénat avec un artiste. C’est participer à une conspiration des plus ludiques : malgré toute notre intelligence et notre progrès, nous savons finalement sans savoir. Et en sachant sans savoir, nous commençons à ressentir au niveau le plus profond. Je dirais donc en fin de compte, comme certains commentateurs des premiers impressionnistes : ce n’est pas du tout de l’art. C’est une thérapie de l’âme. »

Ram Chatlani ( mécène) Avocat des droits civiques qui est apparu dans certaines des affaires les plus médiatisées des années 1980. Il est le petit-fils d'un pêcheur de perles indien. Il a quitté le droit pour se consacrer à des activités difficiles à décrire. Son père était diplomate au Caire pendant la Seconde Guerre mondiale, sa mère était issue d'une famille arménienne turque vivant au Caire, titrée par le roi Farouk. Il a été entouré d'art et d'artiste depuis sa naissance. L'arme la plus féroce est le sourire.

Avec le marchand Charles Zalber et Serge Matthieu, David Granata pour l’exposition au Grand Palais, Paris 2007

Avec le peintre-philosophe Mirsad Hadzikaric et David Granata, Mouvement SCARECROW 2002

Avec les artistes Titus, Anat Ratzabi et Peter Brinkman, Studio Peter Brinkman et Titus  LA HAYE,  NETHERLANDS. S.O.S Tour 2019, Session Beyond Agenda ’’ Crowd & Intimacy '' 

Avec Sophie Marie, Mike Bennett et les femmes d’ ‘‘Education for all’’ Exposition pour soutenir l’association ‘‘Education for all’’ Résidence Dar TARIK ,Galerie Dar Cherifa , MARRAKECH, MAROC. 2015

‘Avec le sculpteur Nicolae Fleissig et André Simoncini, Galerie Simoncini 2021